La peinture du XXe siècle après-guerre : expressionnisme, cubisme et abstraction face aux bouleversements sociaux et politiques

L’expressionnisme : un mouvement d’origine allemande qui va exercer une influence sur le monde entier.

L'expressionnisme a émergé au début du XXe siècle, principalement en Allemagne au départ. Il a émergé dans un contexte social et politique tumultueux, marqué par les bouleversements de la Première Guerre mondiale et ses conséquences, et souvent en réaction aux horreurs de la guerre et aux problèmes sociaux. Leur art exprime autant leur désarroi que leur protestation face au monde.

Il se caractérise par une approche subjective et émotionnelle de l'art. L’accent est davantage mis sur l'expression d’émotions intérieures et d’expériences personnelles que sur la représentation fidèle d’une réalité objective.

En effet, préoccupés par les aspects émotionnels, psychologiques et spirituels de l'expérience humaine, les artistes expressionnistes cherchent à exprimer des émotions intenses, souvent de manière exagérée et déformée, à travers leurs œuvres. On y retrouve souvent des formes altérées, des couleurs vives et non naturelles, des lignes sinueuses et anguleuses. Les artistes simplifient les formes pour capturer l'essence émotionnelle de leur sujet.

L'expressionnisme a donné naissance à une multitude de groupes et mouvements artistiques, ayant en commun de favoriser l'exploration de nouvelles formes d'expression et la collaboration entre artistes.

L’influence de l’expressionnisme dépasse largement le domaine de la peinture. L’exploration des émotions trouve également un fort écho dans le théâtre, la littérature, la danse ou le cinéma.

Les principes d'émotion, d'expérimentation formelle et de représentation subjective de l’expressionisme ont laissé un héritage durable et influencé de nombreux mouvements ultérieurs, notamment l'art abstrait, le surréalisme et d'autres formes d'expression artistique non traditionnelle. On peut dire qu’en libérant l'art des contraintes de la représentation réaliste pour explorer les profondeurs de l'émotion humaine et de la subjectivité, son rôle dans l’évolution de l’art moderne a été cruciale.

Parmi les artistes expressionnistes les plus célèbres, on peut citer Edvard Munch, Egon Schiele, Ernst Ludwig Kirchner, Emil Nolde, Wassily Kandinsky ou Marc Chagall, pour n'en citer que quelques-uns.

Cubisme et abstraction : deux mouvements artistiques distincts aux fortes influences mutuelles

La révolution du cubisme

Le cubisme est un mouvement artistique majeur du début du XXe siècle, qui a émergé principalement en France sous l’influence de Pablo Picasso et Georges Braque, mais avec des contributions notables d'autres artistes tels que Juan Gris. Il se caractérise par la déconstruction et la représentation simultanée d'objets tridimensionnels sur une surface bidimensionnelle.

Ainsi, les artistes cubistes décomposent les objets en formes géométriques fondamentales, telles que des cubes, des sphères et des cylindres. Ils recomposent ensuite ces formes déconstruites sur la toile pour représenter différents points de vue simultanément. Le cubisme introduit alors le concept de perspectives multiples, montrant un objet ou un sujet sous différents angles en même temps. Cela crée une nouvelle manière de représenter le mouvement, le temps et l'espace pour saisir l'essence de l'objet. Le cubisme joue également avec l’ombre et la lumière et utilise également des techniques de clair-obscur qui créent des effets de volume et de profondeur en utilisant des contrastes entre zones ombrées et zones éclairées.

L’art abstrait : un avatar du cubisme

L'art abstrait a été un mouvement majeur au XXe siècle, avec des origines qui remontent au début du siècle, mais qui ont été pleinement développées après la Seconde Guerre mondiale. Les origines de l'abstraction moderne peuvent être retracées jusqu'aux travaux de Wassily Kandinsky et Kazimir Malevich au début du XXe siècle. Les différentes variantes de l'abstraction comprennent l'expressionnisme abstrait, le minimalisme, l'art informel et bien d'autres. Des artistes comme Jackson Pollock, Mark Rothko et Joan Mitchell ont marqué l'expressionnisme abstrait.

Si le cubisme et l'abstraction sont deux mouvements artistiques distincts, ils présentent des points de convergence et des influences mutuelles qui ont contribué à façonner l'évolution de l'art moderne. Le cubisme a joué un rôle de précurseur dans l'évolution vers l'abstraction en remettant en question les conventions artistiques traditionnelles et en explorant de nouvelles façons de représenter le monde.

Ainsi, certains artistes cubistes, tels que Piet Mondrian et Kazimir Malevitch, ont évolué vers des formes d'art plus abstraites après avoir exploré les principes du cubisme. Ils ont utilisé les idées de simplification et de géométrie du cubisme pour créer des compositions abstraites fondées sur des formes et des lignes pures. Les passerelles entre ces deux mouvements sont nombreuses :

• Le cubisme, notamment le cubisme analytique, a remis en question la représentation traditionnelle de la forme en décomposant les objets en formes géométriques abstraites. Cette déconstruction a contribué à ouvrir la voie à des approches plus abstraites de la représentation artistique.

• Le cubisme a introduit l'idée de montrer un objet ou un sujet sous différents angles et perspectives sur une même toile, créant ainsi une fragmentation visuelle. Cette approche de la perspective multiple a préparé le terrain pour des expérimentations ultérieures dans l'abstraction.

• Le cubisme a utilisé des formes géométriques pour représenter des objets et des sujets de manière nouvelle. Cette focalisation sur la géométrie a fourni une base conceptuelle et esthétique pour l'abstraction, où les formes géométriques pouvaient être utilisées pour créer des compositions non représentatives.

• L'abstraction géométrique, l'une des principales branches de l'abstraction, a été influencée par les expérimentations cubistes. Les artistes de l'abstraction géométrique, tels que Mondrian et Theo van Doesburg, ont adopté la géométrie et la réduction formelle du cubisme tout en éliminant toute référence à la réalité observable.

• L'approche conceptuelle du cubisme, qui consiste à décomposer et à reconstruire les formes, a ouvert la voie à une réflexion plus profonde sur la nature de l'art et de la représentation. Cette évolution conceptuelle a également influencé les artistes abstraits, qui ont exploré les idées d'essence, de forme pure et de couleur en tant que moyens d'expression.

La Seconde Guerre mondiale : un traumatisme qui va fortement impacter l’expressionnisme, le cubisme et l’abstraction.

L’impact de la Seconde Guerre mondiale sur les sociétés européennes fut à l’évidence énorme. En toute logique, les mouvements artistiques tels que l'expressionnisme, le cubisme et l'abstraction furent également bouleversés.

L’expressionnisme a intégré les horreurs de la guerre dans l’expression des émotions et des réactions. Les artistes expressionnistes ont réagi à la violence et à la souffrance en produisant des œuvres plus sombres, plus intenses. La guerre a renforcé le désir de certains expressionnistes de dénoncer l'injustice et la cruauté à travers leur art. Le conflit a également entraîné une remise en question des valeurs traditionnelles et l’ordre établi, incitant les artistes à explorer des formes d'expression plus audacieuses et expérimentales.

Avant la guerre, le cubisme avait déjà amorcé des changements dans la représentation artistique, en déconstruisant les formes et en explorant des perspectives multiples. La guerre a renforcé cette tendance à la fragmentation, reflétant la désintégration des structures sociales et politiques. Certains artistes cubistes, tels que Georges Braque, ont intégré des éléments de réalité quotidienne, comme des journaux et des lettres, dans leurs œuvres, reflétant ainsi le contexte de la guerre.

La guerre a encouragé davantage d'artistes à explorer des formes d'art non figuratives. L’abstraction a explosé. Les traumatismes de la guerre ont poussé certains artistes à rechercher des moyens d'expression plus universels et intemporels, évitant les références directes à la réalité immédiate. L'abstraction a offert un moyen d'exprimer des émotions complexes et d'explorer des concepts artistiques sans être limitée par la nécessité de représenter des objets reconnaissables.

Dans l'ensemble, la Seconde Guerre mondiale a profondément influencé ces mouvements artistiques en modifiant les perspectives, les thèmes et les techniques des artistes. Les traumatismes de la guerre ont incité de nombreux artistes à explorer de nouvelles approches et à remettre en question les conventions artistiques établies, contribuant ainsi à l'évolution de l'art moderne après la guerre.

L’exemple de l’école de Paris

Sous l’appellation d’École de Paris, on englobe un groupe d'artistes étrangers et français hétéroclite ayant en commun d’avoir travaillé à Paris. Ce terme parapluie regroupe donc divers styles et courants artistiques, notamment le cubisme, le surréalisme et l'abstraction. Les artistes de l'École de Paris venaient du monde entier et contribuaient à la vitalité artistique de la ville.

En résumé, l'École de Paris est un terme utilisé pour désigner la communauté artistique internationale qui s’établit à Paris au XXe siècle, attirant des artistes du monde entier pour travailler et échanger des idées. Mais la guerre a provoqué une désintégration majeure de la scène artistique parisienne. De nombreux artistes étrangers qui étaient basés à Paris ont été forcés de quitter la ville en raison de l'occupation nazie et des risques associés. Cette diaspora artistique a dispersé les membres de l'École de Paris dans différentes régions du monde.

Certains artistes de l'École de Paris, contraints de fuir la France, ont apporté leurs idées et leurs techniques dans d'autres pays. Leurs interactions avec d'autres artistes et cultures ont contribué à l'enrichissement de la scène artistique mondiale et ont influencé le développement de nouveaux mouvements artistiques.

Les artistes qui sont restés à Paris ont été profondément touchés par la guerre et ont souvent changé leurs thèmes artistiques pour refléter les réalités de la guerre et de l'occupation. Les œuvres produites pendant cette période peuvent montrer une plus grande introspection, une utilisation symbolique de la couleur et des motifs, ainsi que des commentaires subtils sur la situation politique.

Certains artistes de l'École de Paris furent également impliqués dans des activités de résistance culturelle contre l'occupation nazie. Ils ont utilisé leur art pour exprimer leur opposition et ont contribué à maintenir un esprit de créativité et de résilience pendant ces moments difficiles. Il est à ce titre révélateur que Jean Moulin, figure de la Résistance, ait choisit pour couverture d’ouvrir une galerie d’art à Nice, la Galerie Romanin, qui exposera aussi bien des Maîtres modernes (avec des œuvres de Pierre Bonnard, Giorgio De Chirico, Edgard Degas, Raoul Dufy, Othon Friesz, Moïse Kisling, Pierre Laprade, Henri Matisse, Georges Rouault, Gino Severini, Maurice Utrillo, Suzanne Valadon...) que des artistes de la Côte d'Azur (les frères Prévert, Jacques et Pierre, Sylvain Vigny, Jean Cassarini, Aimé Maeght…).

Après la guerre, Paris retrouve sa place de centre artistique mondial, attirant de nouveau des artistes et des intellectuels de divers horizons. Cependant, le paysage artistique n’est plus le même : de nouvelles influences, mais surtout la somme des expériences personnelles liées à la guerre renforcent encore la diversité des approches artistiques.

En résumé, la Seconde Guerre mondiale a bouleversé la dynamique de l'École de Paris en dispersant les artistes, en influençant les thèmes et les tonalités artistiques et en contribuant à façonner la scène artistique internationale d'après-guerre. Son impact profond sur les mouvements artistiques et sur de nombreux artistes individuels conduisent à des changements esthétiques, conceptuels et émotionnels. Sous le poids des traumatismes et des bouleversements de la guerre, de nombreux artistes repensent leur approche de l'art et à explorent de nouvelles voies d'expression.

Félicia Pacanowska : une artiste dans la tourmente.

Félicia Pacanowska est incarne à elle seule la façon dont certains artistes ont vu leur approche de la peinture radicalement influencée par la Seconde Guerre mondiale. Félicia Pacanowska, artiste juive polonaise devenue française, a survécu à l'occupation nazie en France. Sa famille, restée en Pologne, fut en revanche décimée. Son travail a évolué à la suite de son expérience de la guerre. Avant la guerre, elle s’était fait connaître pour ses paysages et natures mortes d’influence cubiste, résolument figuratifs. Après la guerre, son art se transforme de manière radicale. Elle adopte peu à peu une approche plus abstraite, explorant des formes et des couleurs expressives pour traiter des thèmes liés à la souffrance, à la résilience et à la mémoire, jusqu’à adopter une forme abstraite radicale.

La Guerre, l’Avant, l’Après

On peut définitivement parler d'un avant et d'un après la guerre en ce qui concerne l'art et la manière dont les artistes ont abordé la création. Les bouleversements sociaux et politiques à l’œuvre changent en profondeur la manière dont les artistes perçoivent le monde et abordent leur travail.

La guerre a suscité des réactions émotionnelles intenses et a incité de nombreux artistes à explorer de nouvelles formes d'expression. Sa violence et ses horreurs questionnent les valeurs traditionnelles et les conventions artistiques. Les artistes ressentent le besoin de repenser leur rôle dans la société et leur approche de l'art. Certaines formes traditionnelles de représentation disparaissent au profit d'approches plus expérimentales, abstraites ou expressives pour exprimer leurs traumatismes et émotions.

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